Как научиться писать техно музыку
Перейти к содержимому

Как научиться писать техно музыку

  • автор:

How to Make Techno Music in 8 Steps (2023 Guide)

DEEP IN THE MIX may earn a commission on affiliate links. Learn more.

How to make techno music

This is a guide that covers how to make techno music.

Have you been looking to learn how to make techno music?

From the time of its inception in the early 80s to the present era, techno music has become one of the most popular genres of Electronic Dance Music.

Similar to how house music was discovered in Chicago’s underground dance place, Detroit is where techno music evolved.

While some of its success can be associated with the popularity of house music, techno is an amalgamation of a variety of genres.

Table of Contents

What is Techno?

Even though Techno music contains sounds from different EDM genres, it has its own elemental sound which is easy to distinguish.

No matter if you are listening to Ben Klock’s Subzero or Bart Skils’ My Rules, you will find two key aspects in both tracks:

  1. A powerful kick drum gives a heartbeat-like sound
  2. Futuristic, atmospheric sound derived from sampling and synthesizers

Techno is a hypnotizing genre as it transports you to a world full of fantasies, painting your most vivid of memories. The enticing hooks engage your mind and soul.

Since the beginning, Techno has been unique when compared to other EDM genres mainly because of the lack of traditional musical content.

Hooks, also known as a drop in a track, are composed keeping in mind the sounds and pitches used in the track. Artists normally do not refer to older, traditional western scales to create sounds.

This is a DJ on the DJ decks which helps describe what is techno music

3 Characteristics and trademarks of techno

Similar to other genres of Electronic Dance Music, Techno also follows a constant 4/4 time for all the tracks.

It provides a perfect structure to create any Techno track between 120 and 150 beats per minute (BPM).

Most artists and DJs play tracks between the said speed and tempo. However, there are some producers who like to take it to next level.

There are Techno subgenres, Hardcore Techno and Speedcore, which are produced up to 200 BPM and 300 BPM respectively.

Let’s further learn how to make techno music by understanding its characteristics and trademarks.

A man looking at his computer screen and composing an EDM song.

1. Synthesizers and drum machines

Techno music is widely known due to the powerful drums and synthesizers used in the majority of the tracks.

No matter if a producer uses EDM software or hardware, this genre is highly styled and synthesized to give it a unique sound.

99% of the time, a Techno track does not have any vocals, but the atmospheric and futuristic sounds taken from samples do the job.

2. Repetitive, danceable beats

The foundation of Techno music is based on repetitive, danceable beats. No matter what subgenre or tempo the track is in, it will have powerful repetitive drum sounds.

The repetition of drums and hi-hats induces the tech-y vibes listeners love to hear when they are on the dance floor.

3. Compositional technique based on looping

Techno artists normally use the looping technique to create and compose their tracks. Popular as a repetitive genre, the compositional technique is as follows:

  1. 4/4 kick drum pattern
  2. Hi-hat on the offbeat
  3. Clap on beat 2 and 4
  4. Snare on beats 2 and 4

Best programs to make techno music

No matter what type of music you like to create, all you really need is a computer to get started.

You can get any EDM software available on the market which is user-friendly and easy to learn.

There is no Digital Audio Workstation or DAW designed specifically for a music genre. You can test and choose the one you are comfortable with.

The most used DAWs are Audacity, FL Studio, and Ableton Live. If you are a Mac user, you can learn and use Logic Pro.

Spend some time reading about different DAWs and learning about their features to make a better decision. You can find demo links here:

  • Ableton Live (30-day free trial): https://www.ableton.com/en/trial/
  • FL Studio (unlimited free trial): https://www.image-line.com/flstudio/
  • Cubase (30-day free trial): https://www.steinberg.net/en/products/steinberg_trial_versions/cubase.html

8 Steps for making techno

Note: Please be advised that this is not a ‘COMPLETE’ tutorial on how to make techno music. The blog will help you understand the basics before you start producing the genre.

Now, that you have familiarized yourself with the basics of EDM software and hardware combined with characteristics and trademarks of techno music, let’s deep dive into steps for actually creating music.

1. Select Your Kick selection

When you are making Techno music, keep in mind that the ‘kicks’ are the most fundamental element in a track. Therefore, it is essential to get it right.

Normally a techno track follows a 4/4 kick pattern and is the backbone of its loud, thumping sound.

If you are looking to get the old-school techno vibes in your track, try adding saturation and distortion to create the ‘buzz-y’ feel.

2. Techno rumble-bass design

Selecting the right kick is just one part of a techno track. How do you take it to the next level and give your track the right feels? Design a rumbling bass according to your kick selection.

A deep bass is necessary as Techno music enthusiasts love to feel the heavy kicks when they are on the dancefloor.

3. Percussion

A majority of EDM genres follow a similar structure when it comes to production, mainly house music. However, the one thing that differentiates Techno from the house and other genres is percussion.

Techno music follows the compositional looping technique where the hypnotic repetition of drum kicks, claps, hi-hats, and snares are combined with intricate percussion.

4. Incidental vocal stabs

Techno music is known for not having vocals at all. However, you are the artist and can add as many elements as you would like to make your track sound BANGIN’.

Recently, many Techno artists and producers started adding vocal stabs to their tracks to further enhance futuristic sounds.

You can also record your own vocal (just a sentence) and play it over the track you have created thus far.

5. Arrangement Tips

Once you have added certain elements to your track, it’s time to arrange it as per the structure. A techno track follows:

Intro – Middle – Build up – Drop – Outro

Now, there is little to no increase in level or tempo in each stage. Only certain elements are introduced and taken away.

For instance, the main rhythm or chord does not come in until it’s in the middle or build-up stage.

6. Adding sound effects

Techno music relies a lot on FX and different sounding elements to give a track the right vibes.

From delays to reverb, distortion, and more – you can pick and experiment to find the right balance.

7. Mixing

Now that you have all the elements you want in your track, it’s time to run down your track through mixing and mastering.

Every producer wants their tracks to be played in clubs and festivals. You would not want your track to be too loud or quiet no matter where it is being played.

With mixing and mastering, you ensure every element along with its sound levels is on point.

8. Listen & refine

Keep listening and refining!

This is the key if you want your track to be successful. Look for any inaccuracies or maybe a section where you can do better.

Another good rule of thumb is to get feedback from fellow producers, friends, and DJs and work on their comments.

Top 5 techno artists to draw inspiration from

Whether you are just starting or stuck in writer’s block, it is always good to draw inspiration from successful, established names in the scene.

Here are today’s top 5 techno artists you can listen to for reference purposes and we hope you enjoy their live sets.

1. Charlotte de Witte

Charlotte de Witte (born in 1992) recently captured the Techno genre with her incredible music and DJ performances across the globe.

She’s well known for producing minimal and acid techno. Charlotte also runs a successful techno label called KNTXT.

Как писать электронную танцевальную музыку — последовательно и с примерами Статьи редакции

В чём отличие снейра от хай-хэта и из чего вообще состоит музыка: лекция саунд-дизайнера и композитора «Мор (Утопия)» Андриеша Гандрабура.

Композитор, музыкальный продюсер, автор саундтреков к «Мор (Утопия)» и другим играм Ice-Pick Lodge, а также основатель музыкальной школы DOS Андриеш Гандрабур, открыл образовательную сцену, которую в парке Горького на «Плюс Даче» организовала команда сервиса по продвижению артистов BandLink и «Яндекс Музыка».

В своем выступлении Гандрабур рассказал о базовых инструментах, которые нужно освоить, чтобы создавать электронную музыку, мельчайших составляющих звука и основных технических приёмах.

Редакция «Яндекс Музыки» законспектировала лекцию композитора, ну а мы публикуем её — с примерами и всеми пояснениями.

Не секрет, что зарождение музыкального искусства начиналось именно с ритм-секции. У первобытных людей, конечно, не было ни ударной установки, ни продвинутых секвенсоров (DAW), но руками и ногами они создавали первые ритмические рисунки, которые по сей день используются в музыкальном производстве, достаточно вспомнить «We Will Rock You» легендарной группы Queen.

Ключевыми ударными элементами в современном музыкальном производстве являются Kick, Snare и Hat. Этого достаточно, чтобы создать необходимый танцевальный грув и побудить тело к движению. Дело в том, что эти элементы заполняют основные частотные диапазоны — нижний, средний и верхний.

Kick — он же бас-бочка или большой барабан в классической ударной установке. Этот тяжелый низкочастотный стук сложно с чем-то спутать, к тому же он отвечает за самый простой и распространенный приём в танцевальной музыке — «Four on the floor» или «прямая бочка».

Этот бит строгий и последовательный — бочка отыгрывает на каждую долю такта, позволяя слушателям легко следовать ритму и качать головой. При воспроизведении губами получится что-то вроде «туц-туц-туц-туц». Но это лишь один из простейших приёмов, ведь грува можно достичь и неожиданными ломаными ритмами, смещая акценты с сильных долей такта на слабые, таким образом создавая брейкбит.

Snare — малый барабан в ударной установке и самый громкий инструмент в ритмической секции. Выбору подходящего снейра особенно важно уделить внимание, потому что он сильно повлияет на музыкальный стиль будущего трека.

Этот элемент несет в себе больше всего информации, так как заполняет средние и верхние частоты. На таких же частотах располагается и человеческий голос, поэтому наше ухо будет очень явно и точно считывать этот звук. Он сравним с хлопком руками, поэтому вместо snare часто еще используют clap (хлопок).

Расставить snare или clap в ритмическом рисунке очень просто. Под прямую бочку он будет попадать на вторую и четвертую долю такта — «бочка-снейр-бочка-снейр». Такого универсального паттерна уже достаточно, чтобы достичь ощущения драйва в любом темпе и различных музыкальных стилях.

Hi-Hat — это тарелки со стойкой в барабанной установке. Они бывают открытыми (Open) и закрытыми (Closed), в зависимости от этого издавая протяжной звуц «тссс» или короткий «ц ц ц».

Хэты очень влияют на скорость и динамику ритм-секции — чем чаще они звучат в паттерне, тем быстрее кажется трек. Зачастую их используют для разделения куплетов и припевов. А ещё расстановка хэтов открывает большой простор для экспериментов и различных сочетаний.

Стоит отметить, что грамотный подбор сэмплов ударных составляет 50% успеха ритм-секции. Если взять kick из рок-музыки, snare из Future Bass и hi-hat из трэпа — сочетание получится мягко говоря неудачным, хоть и бывают примеры интересных решений.

Начинающим музыкантам следует обратить внимание на сэмпл-паки (Sample Pack) или Drum Kit с тэгами по жанрам. Например, в BandLab они уже вшиты и, как правило, содержат по несколько вариантов каждого элемента ударных и, вероятнее всего, будут сочетаться между собой.

Кстати, необязательно прописывать дорожки ударных по отдельности, ведь помимо сэмпл-паков, существуют ещё и лупы (Loop) — заранее приготовленные сбалансированные шаблонные решения для саунд-продюсеров и музыкантов. Достаточно подобрать луп ударных на свой вкус, кинуть на дорожку, зациклить и можно двигаться дальше.

После того как основа подготовлена, не помешало бы внести разнообразие. Здесь на помощь приходят перкуссионные инструменты. Их очень много и все они разные — тамбурин, бубен, маракасы, ковбелл, колокольчики, шейкеры, конго, бонго, треугольник, трещотка, этот список можно продолжать бесконечно.

Кроме того, проявив находчивость, любой повседневный звук можно превратить в перкуссионный инструмент — будь то хлопок двери или удар сковородкой.

В электронной музыке перкуссионные инструменты придают некую остроту, подвижность и определенную направленность. Зачастую продюсеры используют их готовые лупы, например шейкеры (shaker), чтобы развить динамику в припеве. Прописать свой паттерн уже сложнее, но интереснее, ведь порой можно достичь неожиданных результатов.

Для написания перкуссии используют Piano Roll, где можно регулировать не только расстановку элементов, но и продолжительность их звучания, высоту по нотам и громкости, панораму (лево-право-центр) и так далее. Хорошая перкуссия складывается из мелочей и не сильно выделяется на фоне ведущих ударных инструментов, создавая им вспомогательный фон.

Bass — это ещё один элемент ритм-секции. Он играет только корневые ноты (нижние ноты аккордов), создавая тем самым «фундамент» гармонии. Бас вместе с бочкой берут на себя весь нижний частотный диапазон и работают в тандеме.

В некоторых электронных жанрах, например Dubstep, бас используется, как полноценный музыкальный инструмент, и исполняет все мелодические слои трека. Но для этого потребуются многие часы практики и навыки синтеза.

Если мелодия в треке уже присутствует, то следует подбирать ноты баса под её тональность, прописывая их через Piano Roll. Если мелодии нет, то следует определиться с тональностью самостоятельно и расставлять ноты в её пределах. Возможности тонкой работы в пиано ролле позволят достигнуть чёткого взаимодействия баса с бочкой, что немаловажно для достижения грува.

Когда у вас есть бас и барабаны, в принципе всё — музыка началась. Вы можете смело говорить, что это настоящая танцевальная музыка. Без этих элементов её быть не может. Если убрать какой-то из них, уже будет странно. Bass — это мостик между барабанами, ритмом и гармонией

How To Make Techno: 11 Need-To-Know Techniques

So you want to learn how to make techno? I don’t blame you – there’s something special about that hypnotic sound that has defined electronic music for years.

Maybe you’ve tried but you’re stuck. You don’t have the right sounds, nothing fits together and everything you make sounds like a washy mess of audio.

Don’t fear – in this guide, we’ll cover 11 of the most important techniques you need to know when it comes to making techno. Here’s a rundown:

These beginner tips work in any DAW (Ableton Live, FL Studio, Logic Pro X), so let’s take a look! ��

Get the headstart you need in music production with our EDM Starter Kit ��️

Get our collection of high-quality presets, samples and PDF guides – suitable for all genres of electronic music ��

#1: Pick the right style

Techno originally started in Detroit during the 1970s with producers like Juan Atkins, Kevin Saunderson, and Derrick May. They pioneered the original raw, captivating techno sound.

But like many other subgenres of electronic music, techno has become so big over the years that many subgenres have been created.

  • Minimal Techno
  • Raw/Deep Techno
  • Peak-time Techno
  • Melodic Techno
  • Industrial Techno
  • Hardcore Techno/Hard Techno

As you can see, there’s a lot. But most techno fits into one of two categories: Raw/Deep Techno or Peak-time Techno.

Raw/Deep Techno

This is characteristic of the original, minimal sound of techno that came out of Detroit in the early days. It retains the hypnotic feel, characterized by simple yet effective loops, a grungier aesthetic, and an arguably ‘darker’ sound.

Many people would characterize this type of techno as ‘underproduced’, but it’s just part of the aesthetic this breed of producers is going for.

In this style, you’d be opting for elements like:

  • Original 909 drum samples
  • Acid basslines with lots of weird modulation and FX processing
  • Longer, repetitious arrangements with lots of slow movement over time
  • Slightly faster BPMS (130-140)

Here’s an example of this style:

Peak-time Techno

By contrast, peak-time techno has a more modern influence and is inspired by melodic phrases and unique sound design.

This new sound has been pioneered by producers like UMEK, Adam Beyer, and Charlotte de Witte.

The main elements of this sound are:

  • Punchy and modern percussion
  • Use of digital synths and multiple layers
  • Big builds in the breakdown, fuelled by FX sweeps
  • More obvious variation in the arrangement
  • Slower BPMS (120-135)

Other styles

There are other types of techno like dub techno which is less club-oriented and more for listening, and melodic techno which is inspired by progressive and melodic house music.

While we could dive into all of these, for this article we’ll just cover the aforementioned styles. We might do these at some other point (if you’d like to see these, email me).

#2: Thumping kicks

The central theme of techno is the kick drum – even more so than house music.

This is because while house music focuses on swing and groove, techno is all about those straight, driving rhythms.

House also tends to feature a clap on the 2 and 4, whereas techno forgoes this in favor of highlighting the kick.

If you’re going for the raw techno sound, a boomy, 808, or 909 style kick would work well here. This creates that ‘wash’ of low end that rumbles throughout the club:

909 Kick (135BPM):

However, if you’re going for the modern peak-time techno style, a shorter kick with a lot of punch is probably your best bet. A lot of low-end is still key, but these kicks have a much tighter sound.

Modern Techno Kick (132BPM):

For this guide, I’ll opt for the peak-time techno kick.

Once you’ve chosen a sample, you’ll want to program a simple 4-on-the-floor kick pattern like so.

This is the foundation of techno right here – everything else will surround this core theme.

You want the kick to keep this pattern up for the majority of your track, besides in the breakdown.

However, you can still spice things up with a number of:

  • programming extra kicks between them
  • removing the kick completely towards the end of a section
  • using reverse kicks

Here’s what I came up with using these tips:

I haven’t used a reverse kick here, but I’m going to do something cool later on instead.

For now, let’s move on to the other drum sounds!

#3: It’s all in the rhythm

Once you’ve got a kick down, you can program extra percussion hits like claps and snares around the kick.

As I mentioned, you don’t have to stick to the standard 2 and 4 like in house music.

You can use claps and snares as an energy-building tactic and be more creative with the rhythm.

Here are a few ways you can do this:

Syncopated Percussion

Syncopation is where you program a drum sound to ‘feel’ like it’s playing at a different tempo to the rest of the track.

This is a great attention-grabbing technique, and many techno producers use this to switch up different sections.

It’s most common to use snares to do this, but you can feel free to find toms or any other perc sound. Here’s the snare I’m using:

I added a high-pass filter to the original sample to make sure the kick has space in the low end. This is a good practice for certain samples.

I’m going to add an offbeat syncopated snare around 1.1-1.2, and then again at 2.3-2.4. I’ll repeat this pattern every 2 bars.

You can see the two syncopated rhythms blend into one another at the end of every 2 bars.


A great way to add energy in techno, especially after a huge build, is to abuse the claps through what I like to call rolls.

You just line them up every 1/16th note for a while and let them fire like a machine gun.

But I find this works better with claps than snares, so let’s find a good clap sample:

I may use them more liberally later in the track, but for now, I’m going to use them every 4 bars at 4.2.

This creates an extra little bit of tension and acts as a ‘call and response’ with the snare:

This sounds especially cool when you give them a bit of reverb. And speaking of reverb…

Reverb Hits

Because techno is all about filling in space around the kick with percussion and sound, reverb can be used to fill those gaps.

The easiest way to do this is to set up a reverb send with a 1-2s decay time and send certain hits to it. I’m going to use Valhalla Vintage Verb, but you can use any plugin or stock device.

I’m going to send my claps to it, as well as my snares (a little bit less).

Notice how it fills out the space more:

Once you get your main percussion hits down, you can turn to the top-end percussion to create energy.

#4: Top-end energy (cymbals)

Because techno is heavily focussed on the kick, you want to compensate with lots of energy in the tops, using hats and rides.

Once again, the 909 drum machine sounds a great starting point here, but you can go further with more modern varieties of techno.

You’ll want to start with consistent 1/8th and 1/16th rhythms. Here is a standard 1/16th hat over what we’ve been making so far:

This is solid, but it’s a little stale. Let’s add some velocity changes to make the hats ‘dance’ a bit.

Now we’re starting to get that ‘driving feel’ that techno is known for.

But we can create even more energy by layering in some rides.

I’m going to use a 909-like ride sample on every 1/8th note, with a few velocity changes on every 1st and 3rd it so it ‘ducks’ with the kick.

Now we’re talking.

Bonus tip: a fun way to make hats more ‘hypnotic’ is to use timed delays, creating a rhythmic sense of space. Let’s add a 3/16 delay to the rides:

Как Писать Техно Музыку

Привет! �� Готовы начать путешествие по миру техно-музыки? �� В этом уроке мы рассмотрим основы звукового дизайна, которые помогут вам начать свой творческий процесс.

Для начала, разговор о звуковых волнах. �� Звуковые волны – то, что мы слышим при воспроизведении музыки, и мы можем изменять их разными способами, создавая различные звуки. Один из методов изменения звуковых волн – использование фильтров. Фильтры помогают регулировать количество низких, высоких или средних частот в звуке. Подстраивая эти уровни, вы можете создавать новые уникальные звуки.

Другой способ изменения звуковых волн – использование волновых форм. Форма волны – это форма звуковой волны, а различные формы волны создают разные звучания. Некоторые распространенные формы волн, используемые в техно-музыке, включают пилообразные, квадратные и треугольные волны. Экспериментируйте с различными волнами, чтобы создавать новые интересные звуки.

Также важны огибающие. Огибающие помогают изменять звук во времени. Они состоят из четырех частей: Атака, Затухание, Сустейн и Релиз. Атака определяет, как быстро звук достигнет максимальной громкости, затухание – как быстро звук угаснет после атаки, сустейн – уровень, на котором звук будет продолжать звучать, а релиз – как быстро звук затухнет. Подстраивая эти четыре параметра, можно многочисленными способами менять звук.

Наконец, давайте поговорим о модуляции. Модуляция – это процесс изменения звуковой волны. Это можно делать с помощью различных эффектов, таких как хорус, фленджер и фазер. Эти эффекты помогают манипулировать звуком, например, добавляя легкий эхо или эффект завихрения.

Понимание этих основ звукового дизайна поможет вам создать свой техно-трек. �� Экспериментируйте с фильтрами, волновыми формами, огибающими и модуляцией, чтобы найти свой уникальный звук. Продолжайте практиковаться, и кто знает, может быть вы станете следующей техно-суперзвездой!

2. Программирование вашего первого техно-бита

Привет, любители техно! �� В этом уроке мы вместе погрузимся в захватывающий мир программирования вашего первого техно бита! ����

Шаг 1. Выбор ударных ��
Прежде чем мы начнем создавать наш бит, важно выбрать правильный комплект ударных. Ищите тот, который соответствует стилю техно, который вы хотите создать. ��

Шаг 2. Создание паттерна бочки ����
Бочка — основа любого техно-трека. Начнем с создания простого паттерна с помощью бочки. Мы можем использовать MIDI-контроллер или пианино для создания нашего паттерна. ����

Шаг 3. Добавление малого барабана для грува ����
Чтобы добавить грува, включите малый барабан на второй и четвертой доли. Можно регулировать громкость и скорость, чтобы достичь желаемого эффекта. ��

Шаг 4. Включение хай-хэтов для ритма ����
Далее мы добавим несколько хай-хэтов, чтобы создать ритмический рисунок. Можно поэкспериментировать с открытыми и закрытыми хай-хэтами, чтобы добавить разнообразия. ��

Шаг 5. Наложение перкуссии для добавления глубины ����
Наконец, мы можем добавить дополнительные перкуссионные элементы, такие как хлопки или тарелки, чтобы придать биту больше глубины и текстуры. Можно использовать эквалайзер и фильтры для улучшения наших звуков. ��️��

Отлично! Теперь вы создали свой первый техно-бит! ���� Не бойтесь экспериментировать и вносить изменения. Помните, главное — наслаждаться процессом.

3. Создание атмосферы с помощью Synth Pads

В техно-музыке, синтезаторные пэды являются ключевым компонентом для создания мечтательного и атмосферного звука. ��

Вот несколько советов по созданию атмосферы с помощью синтезаторных пэдов в техно-треках:

Выберите правильный синтезаторный звук. Ищите звуки с длинным и устойчивым качеством, с медленной атакой и релизом. ��

Поэкспериментируйте с последовательностями аккордов. Последовательность аккордов — это последовательность гармонических аккордов. Попробуйте использовать минорные аккорды или необычные аккорды, такие как уменьшенные или расширенные аккорды. ��

Группируйте свои синтезаторы. Добавление нескольких синтезаторных пэдов может создать более полный и разнообразный звук. Варьируйте используемые звуки, чтобы получить уникальную текстуру и гармонию. ��

Используйте реверберацию для дополнительного объема. Примените реверберацию к своим синтезаторам, чтобы придать им пространственный и эффектный звук. Вы также можете настроить время затухания для достижения желаемого эффекта. ��️

Используя эти советы и экспериментируя со своими творческими идеями, вы сможете создавать захватывающие и атмосферные техно-треки, которые вызовут интерес у вашей аудитории. Приятного творчества!

4. Наложение перкуссии для добавления глубины

В техно-музыке сочетание перкуссии играет ключевую роль в создании полного и динамичного звучания. Добавляя несколько слоев перкуссионных инструментов, вы можете придать своему ритму глубину и заставить слушателей наслаждаться музыкой на протяжении всей ночи ����!

Сначала выберите звук бочки ��, который будет служить основой. Затем добавьте звук малого барабана или хлопка �� на каждый второй бит, чтобы разнообразить свой ритм. Оттуда можно начать экспериментировать с различными видами перкуссии, такими как хай-хэты �� или тарелки ��, чтобы добавить вашему звучанию еще больше текстуры.

Не забывайте играть с различными ритмами и узорами, чтобы сохранить интересную атмосферу. Попробуйте сгруппировать перкуссионные инструменты по тройкам, пятеркам или семеркам ➿, создавая полиритмию для наилучшего звучания вашей музыки.

Важно обратить внимание на то, чтобы громкость каждого элемента в перкуссии была сбалансирована. Не хотите же, чтобы один звук задавил остальные и разрушил баланс звука. Используйте эквалайзер для того, чтобы корректировать уровни звуков и достичь нужного баланса ��.

Наложение перкуссии подарит вашим техно-трекам профессиональный оттенок. Используйте все возможности, экспериментируйте со звуками и ритмами, создавайте уникальный звук.

5. Добавление эффектов для динамических техно-треков

В техно-музыке использование эффектов является важным элементом для создания динамичного и интересного трека. Эффекты похожи на специи в кулинарии �� — они могут превратить хороший бит во что-то выдающееся ��. Ниже приведены несколько эффектов, которые можно использовать, чтобы оживить ваши техно-треки:

Delay (Задержка) — отличный эффект для создания пространственности в треке. Он повторяет часть звука после указанного времени задержки. Попробуйте использовать его на перкуссионных ударах, чтобы создать эффект подпрыгивания.

Reverb (Реверберация) — придает звуку ощущение глубины и пространства ��. Этот эффект имитирует акустическое пространство, такое как концертный зал или ванная комната. Используйте его на синтезаторных пэдах или вокале, чтобы добавить дополнительную глубину.

Distortion (Искажение) — отличный эффект для добавления зернистости и текстуры в звучание. Это заставляет его звучать так, будто оно разбивается или перегружается ��. Используйте его на басовых партиях или ведущих синтезаторах, чтобы придать им немного остроты.

Filter (Фильтр) — используется для изменения частотного содержания звука. Измените низкие частоты, создайте эффект размашистости или добавьте дополнительного резонанса к звуку. Попробуйте использовать его на хай-хэтах, чтобы создать развертку фильтра.

Chorus (Хорус) — добавляет тонкий эффект расстройки к звуку, делая его более насыщенным и широким ��. Используйте на лидовых синтезаторах, чтобы создать насыщенный звук.

Помните, когда дело доходит до эффектов, что часто меньше — лучше. Не переусердствуйте, иначе вы получите загроможденный и грязный трек. Продолжайте экспериментировать и получайте удовольствие.

6. Аранжировка структуры вашей техно-песни

Теперь, когда мы разобрали наши техно-ритмы и синтезаторные пэды, пришло время упорядочить структуру нашей песни! Аранжировка — это основа любого трека, и она может создать или разрушить вашу песню. Следуйте этим рекомендациям, чтобы ваша аранжировка звучала гармонично и удерживала внимание слушателя.

�� Вступление: Начните свой трек с вступления, которое задаёт настроение для остальной части песни. Это может быть урезанная версия вашего основного ритма или уникальный звук, привлекающий внимание слушателя.

�� Наращивание: Наращивание — это то место, где вы начинаете добавлять новые элементы в свой трек. Это может включать в себя дополнительную перкуссию, синтезаторы и эффекты, чтобы создать напряжение и вызвать предвкушение.

�� Дроп: Дроп — самая энергичная часть трека, где все элементы объединяются, чтобы создать мощный и запоминающийся момент. Убедитесь, что ваш дроп эффектный и вызывает у слушателя желание танцевать!

�� Разбивка: После дропа пришло время снизить энергию и ввести новые звуки или мелодии. Используйте эту возможность, чтобы изменить аранжировку и сделать её интереснее.

�� Кульминация: Кульминация — это когда вы собираете все вместе для последнего заряда энергии перед тем, как трек закончится. Это может быть второй дроп, разбивка или уникальный раздел, который завершает всё удовлетворительно.

�� Прослушайте и корректируйте: После того, как вы аранжировали свой трек, очень важно прослушать его несколько раз и внести коррективы. Вы можете обнаружить, что некоторые разделы нуждаются в дополнительных элементах или что другие следует сократить.

�� Совет профессионала: Не бойтесь экспериментировать с различными стилями аранжировки, например, начинать трек с разбивки или с несколькими дропами. Прелесть техно-музыки в том, что она может быть универсальной, так что получайте удовольствие и смотрите, что лучше всего подходит для вашего трека.

7. Техники мастеринга для профессионального звука

В этом уроке мы расскажем о некоторых приемах профессионального мастеринга ��. Этот шаг поможет придать вашему техно-треку отточенный и громкий звук ��.

Сжатие — самый важный инструмент мастеринга. Он выравнивает уровни трека, делая его звучание более выразительным ��. Для большей точности используйте многополосный компрессор.

EQ используется для балансировки частот в миксе. Избавляйтесь от ненужных частот, которые могут мешать друг другу, но будьте аккуратны, чтобы не переборщить.

Стереоизображение помогает создать более широкую звуковую сцену. С помощью этого эффекта можно расположить синтезаторы и перкуссионные инструменты в пространстве стерео.

Ограничение — последний шаг в мастеринге. Он устанавливает общую громкость трека. Используйте его, чтобы поднять уровень самых тихих частей песни, не изменяя общую громкость.

Важно понимать, что мастеринг — это искусство, которому нужно уделить время ��. Доверяйте своим ушам и выбирайте звук, который звучит для вас лучше всего, доверяйте своим инстинктам.

Таким образом, мастеринг — это процесс полировки и улучшения звучания окончательного микса ��. Используйте сжатие, эквалайзер, стереоизображение и ограничение для достижения профессионального звука ��. Главное — доверяйте своим ушам и интуиции.

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован. Обязательные поля помечены *